Distanciamiento crítico
Praneet Soi
Septiembre 9 – Noviembre 29, 2011
Curaduría: Tobias Ostrander

Retorcida, rasgada, rota, doblada y cortada, la figura humana abstracta y fragmentada es central para las investigaciones pictóricas que desarrolla el artista Praneet Soi, nacido en Calcuta y residente en Amsterdam. Las posturas dramáticas de muchas de estas figuras revelan sus fuentes, como son las imágenes tomadas por los medios de comunicación, que recogen los sucesos violentos contemporáneos: guerras, terrorismo, tortura, desastres ecológicos o crímenes cotidianos. En los últimos años, el artista creó un archivo, que circula globalmente, con imágenes de la figura humana que participó en estos hechos traumáticos. Su selección revela un ojo educado tanto en la historia del arte europeo como en la de la India, con las figuras y su disposición, que suelen hacer referencia a estas tradiciones estéticas. Además, Soi añadió a su archivo composiciones producidas en su estudio, realizadas con coreografías creadas con los cuerpos de amigos y colegas, en posturas inusuales y evocativas.

El artista activó su archivo en una situación o espacio dados, rastreando y transgrediendo estas imágenes de manera cada vez más compleja. En los últimos años las pinturas, collages, esculturas y murales resultantes fueron producidos con una paleta limitada a blanco, negro y gris. En muchas de estas obras, el contorno de la figura humana o de dos figuras acopladas, servía como un delicado marco para la imaginería contrastante contenida en las siluetas. El tratamiento gráfico, y de cada capa de este material familiar y sensacional, crea una distancia entre su origen digital y su nueva forma, un proceso que lo aleja del espectador y reactiva su recepción crítica de las obras.

La arquitectura ha tenido cada vez un papel más significativo en la obra reciente del artista. La arquitectura de los espacios en los que Soi exhibe, suele relacionarse y utilizarse en sus instalaciones, mediante dibujos y murales que se complementan con ángulos específicos, esquinas u otros detalles de la galería o del museo. En su archivo empieza a incorporar elementos del espacio urbano —el patrón fijo de los rascacielos de cristal o de las vías de tren; los ángulos del cableado eléctrico o de las líneas telefónicas—. Asimismo, explora la arquitectura modernista occidental mediante diversas copias e interpretaciones que han servido de inspiración en la India y en otros contextos económicos emergentes. La imaginería arquitectónica se ve reproducida en formas raras y en lugares inusuales dentro de la obra, como fragmentos rasgados o pedazos de vidrio incorporados con figuras humanas de maneras agresivas y enigmáticas.

Esta exposición integró diversos elementos: murales pintados directamente sobre las paredes; pinturas en miniatura producidas en gouache en papel y colgadas de forma tradicional en la galería; estructuras delicadas de papel colocadas sobre una mesa cuyas formas parecían tanto esculturas planas como dibujos tridimensionales, y una instalación con diapositivas de material fotográfico. Los blancos y grises de las obras dialogaron con las formas de la Sala Daniel Mont, al tiempo que los elementos de las barras de metal de esta galería se integraron en las composiciones. La arquitectura vernácula tomada de los edificios de la ciudad de México se vio filtrada en estas densas obras.

La pieza de diapositivas incluida en la exposición presentaba fotografías, tomadas por el artista, de un hombre trabajando en una imprenta de Calcuta. Sólo se aprecian las manos de este hombre, mayor, mientras manipula una prensa antigua. El metal negro de las partes móviles de la prensa contrasta con el blanco de los papeles en el que se imprimen las imágenes. La narrativa de esta secuencia —que incluye los contrastes entre lo manual y lo mecánico, entre la tradición y la modernidad, entre la repetición y la inacción, las reproducciones y el original— resuena significativamente en el cuerpo de la obra de Soi y apunta a referencias divergentes que son parte de sus métodos de construcción de imagen. La importancia que tiene la mano en todos los proyectos del artista tiene un significado particular. A la vez que trabaja de manera directa con imágenes producidas digitalmente, vinculadas a las telecomunicaciones y a la distribución, a gran velocidad, de la información, y mientras hace referencia a la estética de varios aparatos tecnológicos que utiliza, a final de cuentas, los métodos contemporáneos que Soi desarrolla sirven para fortalecer la tradición manual de la pintura.

El dinamismo, la energía cinética y la densidad visual que produjo Soi al valerse tanto de la figura humana como de elementos arquitectónicos, creó un diálogo interesante con la historia del Museo Experimental El Eco y el Manifiesto de la arquitectura emocional de Mathias Goeritz. En este texto, el artista alemán expresó lo que él veía como la necesidad de dirigirse a las inquietudes espirituales de su generación mediante la producción de estructuras que evocaran emociones en el espectador. Criticó la arquitectura funcionalista por limitarse a satisfacer sólo las necesidades básicas de la humanidad, mientras desdeñaba su desarrollo espiritual. Las construcciones visuales que Soi crea, sus arquitecturas pictóricas, transmiten emociones y luchas espirituales, ya que presentan, de manera intensa y expresiva, las tensiones y deformaciones de la actualidad.

Tobias Ostrander

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Praneet Soi (Calcuta, Bengala Occidental,1971). Vive y trabaja en Amsterdam e India. Su trabajo se construye a partir de una constante búsqueda en los viajes y la observación de contrastes culturales entre dos lugares; principalmente Amsterdam, donde reside, y su nativa Calcuta. Sus experiencias se traducen en lecturas o presentaciones, pinturas, murales o imágenes construidas por la combinación de éstas. La tradición del arte popular hindú y sus técnicas han tenido un papel importante en la construcción de su trabajo. Estudió en la Rijksakademie van beeldende kunsten de Amsterdam (2002- 2003); en la Escuela de Pintura y Escultura Skowhegan, Maine (2001); en la Universidad de California, San Diego (1999- 2001) y en la Facultad de Bellas Artes, Baroda, India (1990- 1996). En 2011 participó en el primer Pabellón de India en la 54a Bienal Internacional de Venecia. Ha tenido exposiciones individuales en espacios como el Centro Cultural Montehermoso Kulturunea, Vitoria-Gasteiz, España, (2011); Artspace, Sydney, Australia, (2011); de Appel, Amsterdam (2011), entre otros. Participó en la 7a. Bienal de Gwangju, Corea del Sur, 2008.