Ediciones Eco 2

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16 enero, 2016 - 27 marzo, 2016

Hansjorg Mayer, Entropy (is the measure of disorder in a system), 1965-2016 (1)_MG_4832Las Ediciones Eco se conciben como una exposición portátil que tiene dos frentes: por un lado, es un proyecto para recaudar fondos destinados a las publicaciones del Museo Experimental el Eco; por el otro, uno que indaga en el movimiento de la poesía concreta y la manera en que sus postulados permean la cultura contemporánea.

El poema es un objeto en sí mismo, no una interpretación o traducción de elementos externos. La acción poética ocupa un espacio (del papel o del mundo) el poema como motor, voluntad y acción.

¿Cómo podría ejecutarse un poema en una acción?

En el marco de estas reflexiones, se reunieron a ocho artistas para participar en el proyecto de Ediciones Eco 2016. En la carpeta se contemplan obras de artistas de distintas disciplinas y generaciones. Se incluyen dos obras de participantes del movimiento original de la poesía concreta internacional; la última constelación de Eugen Gomringer, inspirada en la torre amarilla de El Eco, hecha especialmente para esta edición y una reedición de Entropy (1965) del artista y editor Hansjörg Mayer. Además, Mayer realizó el diseño del contenedor de estas obras durante los sesenta; se trata de una flecha que se convierte en una carpeta, un signo que abraza una colección y se lee como signo y objeto a la vez. Las serigrafías que en esta ocasión se incluyen se basan en aspectos de la naturaleza, el hombre, el mar, la vida vegetal, los insectos, la entropía, los astros y que poco a poco van tejiendo, por distintos caminos, pistas de condiciones naturales y algunas consecuencias. Proporcionando juegos y acercamientos codificados que apelan al lector de esta publicación.
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Eugen Gomringer (Cachuela Esperanza, 1925) ha sido llamado en varias ocasiones, el “padre de la poesía concreta”. En 1953 compone poemas que denomina constelaciones, publicaciones en un libro homónimo Konstellationen, escrito en cuatro idiomas, y su ensayo Vom Vers Zur Konstellation [From line to Constellation] presentan los fundamentos del movimiento de la poesía concreta. En From line to Constellation reflexiona en torno a la poesía y la posibilidad de percibirla visualmente como un todo, así como por las partes que la componen, debido a esta razón es memorable y se imprime en la mente como una imagen, volviéndose un objeto que puede verse y usarse de manera simultánea. Al respecto, menciona: “En la constelación algo se trae al mundo. Es una realidad en sí misma y no un poema sobre algo. La constelación es una invitación”. Gomringer hace uso del espacio en blanco para explorar las posibilidades visuales del signo en la espera de generar el rastro de un gesto, de un pensamiento. En Constelaciones, espontaneidad y orden aparecen reconciliados, las palabras se yuxtaponen y se superponen con la precisión de las más hermosas creaciones cinéticas visuales”. Durante los sesenta participó en algunos proyectos junto Mathias Goeritz y Hansjörg Mayer. En los últimos años Gomringer regresó a la creación de sonetos. “He escrito cientos de sonetos en cuatro o cinco años. Es la posibilidad de una nueva riqueza en mi vida en esas 14 líneas, es un nuevo camino. Son líneas que tienen de dos a tres palabras sin interrupción. Son como una continuación de las constelaciones en un nuevo orden”.En 2013 visitó por primera vez el Museo Experimental el Eco e inspirado en la torre amarilla escribió su Última constelación, con fecha de septiembre de 2014, que aquí publicamos.

Martha Hellion (Ciudad de México, 1937) es artista visual, editora y curadora independiente. Estudió Arquitectura en la UNAM donde, además, de manera paralela estudiaba Danza y Música. Después viajó a Inglaterra para estudiar Diseño, Artes Visuales y Gráfica.En la universidad fue alumna de Mathias Goeritz. En sus palabras: “Sus clases influyeron de manera profunda mi mirada de artista. Con Mathias aprendí a explicar las cosas indescifrables, a expresarme de manera gestual y a expandir la noción de publicación o de hacer público”. Recuerda que Goeritz empleaba ejercicios en los que intentaba traducir la experiencia musical en formas bidimensionales. “También hacía hincapié en tomar conciencia de la manera en que ocupamos el espacio… ya fuera del salón o de la página”. La práctica de Martha Hellion se enfoca en libros de artista y proyectos multidisciplinarios. Durante los años sesenta fundó Beau Gest Press en Inglaterra, una editorial independiente de vanguardia e influyente en Europa, dirigida y estructurada de manera colectiva por artistas. Sus proyectos jugaban con los lindes de lo editorial al demandar la participación activa del “lector” para generar exposiciones con las páginas de las publicaciones, interacciones epistolares y otras acciones. El campo de trabajo de Hellion, es muy versátil; incluye la museografía, el diseño y la restauración de vestuario y escenografías, así como la docencia. Su formación y experiencias la han llevado a abordar temas editoriales desde el cuerpo y la gestualidad, empleando ejercicios corporales en los cursos, seminarios y talleres que imparte. Homenaje/carta a Mathias Goeritz (2015)  es la pieza incluida en esta carpeta. En ella presenta capas de relaciones conceptuales y personales con el artista Mathias Goeritz, una suerte de palimpsesto que anuncia la configuración musical, la poesía, la codificación mágica, la naturaleza, además de mapas para la investigación marina.

Hansjörg Mayer (Stuttgart, 1943) es impresor, artista y editor. Estudió filosofía con Max Bense y Diseño Gráfico en Alemania y el Reino Unido. Es parte de la tercera generación de una familia de impresores, por lo que desde muy joven  empezó a indagar en el oficio y a desarrollar sus intereses artísticos.En 1964 fundó su editorial, Edition Hansjörg Mayer, donde publicó primero carpetas y trabajos de poesía concreta y después libros de artista, con varios colaboradores como Richard Hamilton, Dieter Roth, entre otros. Fue pionero en este género y además publicó varios libros sobre antropología y artesanía.Realizó experimentos con los rodillos, los tipos, los solventes y las máquinas de impresión en los que se registran pliegues, marcas en las placas, texturas fortuitas, degradaciones de tinta y se configuran paisajes abstractos.

Typófago, lo llamaba Haroldo de Campos, por estar obsesionado con los tipos móviles, “un tragón de tipos” (typoglobber) alguien que se come la realidad con los tipos y reinventa la realidad/ a través de la tipografía; / para él, la realidad es texto”. Hansjörg Mayer construía “typoemas” composiciones gráficas con tipografías, de contenido asemántico. En 1966 publicó el último portafolio de poesía concreta en el que incluyó artistas de países de habla inglesa (Canadá, Estados Unidos y Gran Bretaña) y en el que colaboraron sus alumnos de la Bath Academy. Diseñó la carpeta que contiene la obra de tal manera que, al abrirla, se articula una flecha y que en esta ocasión alberga las ediciones Eco 2.  Entropy (is the measure of disorder in a system) es una reedición de la pieza de 1965 en la que, aparentemente, el editor aventó los tipos de su máquina letterpress para configurar la imagen. Hansjörg Mayer representa en ella partículas del lenguaje, invitando a crear relaciones entre las letras, de una manera análoga podría ampliarse la experiencia poética y encontrar patrones de significado en las leyes de la naturaleza.

Otto Berchem (Connecticut, 1967) estudió Arte en la Parsons School of Design, en Nueva York; en el Edinburgh College of Art, en Edimburgo, y en la Rijksakademie van beeldende kunsten, en Amsterdam. Su práctica explora códigos sociales y visuales, y se centra en las relaciones con el lenguaje, la arquitectura, la historia y la poesía. Emplea una variedad de medios, incluyendo la pintura, el video y las intervenciones públicas. Su interés en la creación de códigos se remonta a Men’s Room Etiquette (1994) una intervención pública en Escociaen la que apunta hacia códigos no escritos, como el comportamiento de un hombre con otro en los sanitarios. Fascinado por los códigos sociales, ha continuado sus exploraciones con diversas obras en las que el público está implicado o forma parte fundamental de la pieza. En La ola contra la piedra (2015) continúa sus exploraciones sobre los signos, las relaciones humanas y su codificación, para crear un alfabeto cromático. El código está inspirado por los principios de la sinestesia, los textos de Jorge Adoum y Vladimir Nabokov, así como en los diseños de Peter Saville de los discos del grupo musical New Order. Mediante este alfabeto, Berchem propone la revisión de imágenes icónicas de la historia reciente  y la creación de sus propios documentos a partir de la eliminación de contenido preexistente. La ola contra la piedra interpreta el título homónimo del Soneto IX de Pablo Neruda, reemplazando la prosa con colores que corresponden a las letras de su alfabeto cromático.

Roger Adam Bernad (Barcelona, 1970) es diseñador gráfico. En su práctica combina proyectos de diseño, edición, autopublicación y propaganda institucional. Ha colaborado con una variedad de artistas y editores para desarrollar trabajos en el ámbito del diseño editorial y en campos de acción como la crónica gráfica, el arte contemporáneo y las artes en vivo. Desde  2008, es codirector del sitio web www.tea-tron.com, una plataforma en línea que alberga proyectos transdisciplinarios enfocados en la acción, y que genera exposiciones en el sitio, así como reflexiones e intercambios, paralelamente coordina las publicaciones impresas de Teatron.Tinta. En sus propuestas como diseñador, presenta ejercicios con los límites de la legibilidad, cuestionamientos sobre los códigos de la comunicación y la edición y, en fechas recientes, un interés por la corrupción tipográfica. La imagen que realizó para el ciclo de performance Líneas de acción, que tuvo lugar en la Ciudad de México, presenta la información escrita fragmentada, irrumpida. En un mundo donde predomina el fenómeno de la comunicación sobrepasada e inmediatez de contenidos, su propuesta exige al espectador un esfuerzo para leer, pausar y completar la información. Forma parte del Colectivo OVQ (Observatori de la Vida Quotidiana) un espacio autónomo para la investigación de la vida en sociedad, donde ha publicado proyectos de investigación como los libros Cops de gent y Repòrters Gràfics. Para Ediciones Eco 2, Adam, se valió de los caracteres del Poema plástico del patio del Museo Experimental el Eco para construir un dibujo, una propuesta inversa a la de Goeritz y su alfabeto abstracto, que quizá codificara algún mensaje. Adam hace evidente la imagen formada por el alfabeto abstracto, al difuminar los límites entre la trama y el lenguaje.

Carlos Amorales (Ciudad de México, 1970) es artista multidisciplinario. Estudió Artes Visuales en  Gerrit Rietveld Academie y en la Rijksakademie van beeldende kunsten, ambas en la ciudad de Amsterdam. Emplea la producción gráfica como herramienta para el desarrollo de estructuras lingüísticas que dan pie a nuevas formas de interpretación, explora los límites del lenguaje y los sistemas de traducción para incursionar en el ámbito cultural. Sus procesos de investigación se basan en un amplio repertorio de metodologías empíricas para llevar a cabo proyectos extensos que conjugan referencias históricas, culturales y personales. A partir de una investigación sobre escrituras codificadas y lenguajes ficticios creados por artistas, generó una escritura propia con la cual ha experimentado desde 2010. Su “alfabeto” proviene del Archivo líquido, una colección (que ha alimentado desde hace más de diez años) de imágenes digitales que representan figuras humanas, animales, fragmentos del cuerpo, formas naturales, entre otras, así como de la reducción de sus dibujos hasta que adquieren un carácter de signo. Uno de sus intereses es transformar la escritura en algo visual, entre el dibujo y el texto. En Notaciones para ritual de magia negra #1 (2015), Carlos Amorales compone una imagen a partir de su colección de sellos/caracteres, la combinación entre éstos y la mezcla con otros símbolos religiosos populares, como el vudú.

Jessica Wozny (Langenfeld, 1978) reside en México desde hace 13 años. Estudió en La Esmeralda, en la Ciudad de México. Jessica Wozny crea figuras retóricas con las que subraya la mezcla de trasfondos culturales y las distintas capas que construyen el entorno cotidiano. Su cuerpo de trabajo se complementa entre sí, indaga sobre el sentido que surge a partir de las relaciones entre  palabras y objetos (textuales o físicos), según el acomodo que se les dé, ya sea gramatical, escultórico, textual o simbólico. Junto con Luis Hampshire es cofundadora de Plan B Ediciones, un colectivo curatorial que también produce publicaciones.  Aún posee su alma de bronce (2015) presenta una colección de dibujos provenientes de objetos, que crean posibles glifos y grafemas en el espacio de la hoja. Sin pretender una lectura jerárquica o lineal, se abre la posibilidad de una caligrafía de las cosas. ¿Qué podríamos leer en el contexto-página de los objetos-grafemas cotidianos? Esta obra vuelve legible la ambivalencia de la palabra escrita en relación con su entorno, como un utensilio o medio y como un “adorno” o dibujo

Minam Anpag (Arunachal Pradesh, 1980) se dedica al dibujo, a la pintura y a las artes gráficas. Estudió Arte en la Sir JJ School of Art en Mumbai y ha expuesto diversas instituciones entre las que destacan; Hara Museum of Contemporary Art, Tokio; New Museum, Nueva York y ha participado en la Bienal de Praga V y la Asia Pacific Triennial APT6. Su trabajo retoma la influencia de cuentos populares y mitos de su tierra natal, fusionando las narrativas en su fluida línea de dibujo. Muestra un proceso idiosincrásico espontáneo y deliberado, situándose entre dos lugares; el paganismo nativo de su país de origen y su educación cristiana, poniendo en primer plano cuestiones de identidad cultural y origen. Los diferentes motivos y símbolos que utiliza, tejen relaciones a lo largo de su cuerpo de trabajo y articulan un imaginario propio con referencias populares, en una reflexión sobre la manera en que las imágenes participan del lenguaje y viceversa. Para muchas de sus piezas, empieza copiando un objeto o trazando una imagen para después reinterpretarla a través del prisma de sus preguntas personales. En este sentido, utiliza el dibujo como un proceso de pensamiento e imaginación.  ID (2015) es una reedición de una versión de 2010 impresa en inkjet digital que forma parte de la serie Death in a Rainforest. Esta serie es una meditación en torno a la creación de imágenes y la relación con sus representaciones a través de la calca, los reflejos y las repeticiones. La línea del dibujo configura insectos copulando, en espejo y superpuestos unos sobre otros para hacer aparecer una máscara. La imagen se alterna (entre los insectos y la máscara)  según lo que la percepción dicte.

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